Después de la buena acogida que han tenido los dos primeros montajes de la exposición Zonas de riesgo. Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”, la Obra Social "la Caixa" presenta la tercera y última parte de esta muestra, una reflexión a partir del fondo de arte contemporáneo de la entidad, sobre la realidad en que vivimos y los conflictos que nos rodean.

En los últimos años, el arte no ha dejado de expresar su visión de los conflictos que afectan a nuestra existencia en un mundo cada vez más incierto. Los artistas manifiestan en sus obras unas actitudes provocativas y de resistencia ante el inquietante escenario actual, en que la violencia, la desigualdad y la exclusión, el aislamiento del individuo y la sensación de vulnerabilidad forman parte del estado de normalidad de nuestra sociedad. Además, con la globalización imperante en el siglo XXI, esta sociedad se siente más expuesta al riesgo que nunca.

En este contexto, los artistas, conscientes de su función pública, sienten la necesidad de ampliar sus competencias e indagar los conflictos de nuestro mundo, que actualmente vive convulsionado por la inestabilidad económica, invadido por retóricas de guerra, condicionado por las desigualdades que genera la globalización económica, amenazado por el deterioro medioambiental y desconcertado por la descomposición de las estructuras sociales.

La exposición incide en la función del arte como generador de pensamiento crítico en torno a nuestra cultura, en un momento en que está, más que nunca, bajo la amenaza de ser neutralizado e instrumentalizado como un producto de consumo más de la sociedad del espectáculo. Hay artistas que representan conflictos de nuestro mundo creyendo que el arte puede expresar una conciencia social; mientras que otros despliegan un radicalismo crítico con humor e ironía. Los hay que pretenden crear sensaciones que conmuevan; y otros quieren provocar reacciones críticas. Las obras resultantes no emiten manifiestos ni denuncias, sino que formulan una visión simbólica, y a menudo ambigua e irónica, de nuestro entorno y de las transformaciones sociales, económicas y culturales.

Zonas de riesgo se articula en tres montajes consecutivos, enlazando un discurso vivo sobre nuestra sociedad, a partir de las obras de 21 artistas de diferentes generaciones y países, que exploran y formulan su visión de la sociedad, demostrando una gran capacidad para procesar de manera estética la compleja realidad en que vivimos. Las obras tienen soportes variados, que van desde la pintura, el vídeo y la fotografía, hasta la instalación con materiales poco habituales en el arte, pero tienen en común que la mayoría son posteriores al año 2001 y muchas de ellas se expondrán por primera vez en nuestro país.

La Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa” está formada por más de 750 obras, y en sus fondos figuran trabajos de los artistas más importantes de los últimos treinta años, de distintas procedencias y generaciones, y que constituyen en su conjunto un reflejo de nuestro mundo. Desde las primeras incorporaciones de obras del minimalismo, el arte povera, la pintura expresionista y la escultura de los años ochenta, la Colección ha reunido una magnífica representación de artistas fundamentales de los últimos años y ha apostado por creadores en el inicio de sus carreras.

Zonas de riesgo. Tercera parte. Obras expuestas

LIU JIANHUA (China, 1962)
Reflection-Mirror Illusion, 2002-2003
Porcelana

Las obras de Liu Jianhua analizan el estado de la cultura en la China contemporánea, inmersa en una carrera frenética de modernización a causa de los efectos de la globalización. Esta obra representa en porcelana blanca los skylines de las grandes urbes de Shanghai, Beijing, Shenzhen y Guangzhou. Sus sombras se proyectan como si se reflejasen en un espejo de agua. El reflejo es perfecto, pero siempre transitorio. La mirada atenta descubre enseguida que los edificios se doblan, como si sus estructuras arquitectónicas no tuvieran fundamentos y no fueran capaces de mantenerse derechas. Son como figuras invertebradas, meros reflejos de Occidente.

BRUCE NAUMAN (Estados Unidos, 1941)
Shit in Your Hat – Head on a Chair / Caga en tu sombrero – Pon la cabeza sobre la silla, 1990
Videoinstalación

La instalación consta de tres elementos distintos: una silla de madera suspendida del techo por un alambre con un busto de cera sujeto al asiento, una pantalla donde se retroproyecta la imagen de una mimo y, finalmente, una voz en off. Esta voz de fondo reproduce una inacabable retahíla de órdenes absurdas, tales como «Pon tu sombrero en la mesa. Pon la cabeza en el sombrero. Pon la mano en la cabeza con la cabeza en el sombrero. Ponte la mano en la cabeza y el sombrero en la falda. Deja caer el sombrero...», que la mimo sigue al pie de la letra en un acto de sumisión incomprensible y ultrajante. Esta pieza surgió como respuesta a la impresión producida por la lectura de Prisionero sin nombre, celda sin número (1981), del periodista argentino Jacobo Timerman, un libro en el que el autor narra su propio secuestro y la tortura que sufrió durante la dictadura militar de su país. A diferencia de otras obras en las que el artista abordaba el tormento físico, en ésta el planteamiento es mucho más abstracto, tal y como evidencia la presencia de la mimo. En este sentido, al plantearnos una situación extrema de subordinación, la instalación nos propone reflexionar sobre la naturaleza del poder, sobre las jerarquías psicológicas, políticas y económicas y sobre la imposibilidad de romper el círculo vicioso de la humillación y la obediencia.

MARLENE DUMAS (Sudáfrica, 1953)
El profeta, 2004
Óleo sobre tela

Sudafricana de nacimiento y holandesa de adopción, Marlene Dumas es una artista que practica un realismo directo y honesto, a la par que provocador y perturbador. Con sus pinturas y dibujos, verdaderos estudios sociológicos, efectúa un análisis profundo de la condición humana. Los protagonistas de su trazo sensible, que expresa las heridas de nuestra sociedad contemporánea, son con frecuencia víctimas de la marginación, el racismo y la violencia. Una composición equilibrada confiere dignidad al personaje, que abre su chaqueta para presentarse orgullosamente al público. La artista se inspiró en una fotografía de prensa que mostraba a un paciente de un hospital psiquiátrico de Bagdad durante el conflicto de Irak. Con la sugerencia del título, Dumas convierte esta triste figura en una presencia mística, y su gesto, quizás de impotencia, en uno profético.

GUILLERMO KUITCA (Argentina, 1961)
Sin título, 1991
Acrílico sobre tela

La reflexión filosófica sobre la soledad es un hilo de continuidad en la obra de Guillermo Kuitca. En este lienzo, el artista propone una estructura conceptual y plástica de carácter dinámico: un proceso que va desde el tratamiento de la superficie del cuadro como juego abstracto de líneas y cuadrículas hasta la representación de un posible espacio que se identifica con el plano de una ciudad. La que presenta Kuitca es una ciudad en abstracto, una ciudad irreal pero a la vez reconocida por todos. El trazado de este mapa urbano, realizado con jeringuillas, pone también de relieve la ciudad como lugar de sufrimiento y soledad.

STEVE MCQUEEN (Reino Unido, 1969)
Illuminer, 2001
Videoproyección de un solo canal; 15 min 13 s

Desde principios de los años noventa, Steve McQueen ha explorado con vídeo distintas y sorprendentes formas de representación. En esta obra, la cámara se mantiene fija durante los 15 minutos del vídeo, con el encuadre centrado en el cuerpo de un hombre tumbado sobre una cama de sábanas blancas, apenas definido por el resplandor azulado de la luz de un televisor encendido. La imagen queda a veces difuminada por la escasa luz y su intermitencia, convirtiendo la escena casi en una abstracción pictórica. El lugar es la habitación de un hotel y la figura es la del propio artista, que ha sintonizado un canal que retransmite un programa sobre una acción militar posterior al 11 de septiembre. McQueen ha compuesto un autorretrato, aunque se trata de una escena mundana con la que todos nos podemos identificar. Las imágenes de violencia se reflejan en su cuerpo sumido en el tedio o la impotencia. Illuminer sugiere la pasividad de un mundo habituado al horror y la tragedia que percibe como algo distante a través de las pantallas.

DAMIÁN ORTEGA (México, 1967)
Movimiento en falso (estabilidad y crecimiento económico), 1999-2003
Barriles de petróleo, base rotatoria con motor y plataforma de madera

Damián Ortega empezó su carrera como creador de caricaturas políticas, una experiencia que ha influido en su obra artística, en la que confluyen el rigor político y un sentido lúdico a la vez que crítico. Sus esculturas, fotografías, acciones y películas están realizadas a menudo a partir de materiales y objetos cotidianos, que el artista reconfigura dotándolos con nuevos significados y juegos de lenguaje. Tres barriles de petróleo superpuestos giran sobre un eje, manteniendo un precario equilibrio equivalente al que sustenta nuestro mundo actual.

ESTER PARTEGÁS (España, 1972)
Polympus Tetraflacidontics (Amarillo blanco), 2004
Esmalte sintético sobre acetato
Polympus Tetraflacidontics (Verde), 2003
Acrílico sobre papel

Nuevos sabores y sustancias invaden diariamente nuestros mercados. ¿Qué es lo que consumimos? Los productos comestibles que compramos llegan de todas partes de nuestro mundo globalizado; la distancia ya no es un problema porque están producidos para durar. Su presentación es perfecta. Son apetecibles, aunque su interior sea sintético. Las etiquetas que reproducen sus ingredientes son jeroglíficos que a veces pueden asustar. Ester Partegás se sirve de la ironía para invitarnos a leerlas de cerca. Estas dos obras pertenecen a la serie que la artista tituló Polympus Tetraflacidontics, y reproducen listas reales de ingredientes tal como aparecen en los envoltorios. Su intervención se convierte en un mensaje que nos alerta del riesgo que asumimos diariamente al ingerir lo que compramos.

MIGUEL ÁNGEL ROJAS (Colombia, 1946)
Santa 2, 2004
Fotografía a color

Miguel Ángel Rojas construye un paralelismo entre fumigaciones y niebla para representar un paisaje político y cultural intervenido lentamente. Como describe el artista, Santa es una obra que nace de un sentimiento reverencial por los Andes colombianos y de una santa ira por las fumigaciones de los campos de coca: «El bosque andino de niebla, en toda su belleza, es víctima de las aspersiones de glifosato que caen sobre sus habitantes, la flora, la fauna, las aguas y la misma tierra.» El artista hace caer irónicamente una lluvia de calaveras sobre la benéfica niebla que cubre el paisaje, recordando la frase «Caiga de lo alto bienhechor rocío como riego santo».

DORIS SALCEDO (Colombia, 1958)
Sin título, 1995
Madera, cemento, acero, cristal y algodón
Desterrado. La túnica del huérfano, 1997
Madera, tela, cabello

Doris Salcedo, que define su propia producción como algo conflictivo, perturbador y difícil, es una artista cuya obra pretende conmover y hacer reflexionar al espectador acerca de los conflictos que existen en nuestro mundo. El punto de partida de estas piezas se sitúa en torno a la experiencia de las víctimas de las zonas más deprimidas de su país, Colombia. Se trata de dos objetos habituales en cualquier hogar, que, reconvertidos en disfuncionales tras la manipulación de la artista, no son más que materia sin vida, como el cuerpo de las víctimas de una violencia injusta, testigos mudos de una vida que ya no es.

Zonas de riesgo. Colección de Arte Contemporáneo Fundación "la Caixa"
Del 23 de enero al 1 de marzo de 2009
CaixaForum Barcelona
Avenida Marquès de Comillas, 6-8
08038 Barcelona
Horario:
De lunes a domingo, de 10 a 20 h
Sábados, de 10 a 22 h

Entrada gratuita
Servicio de Información
Obra Social Fundación ”la Caixa”
Tel: 902 22 30 40
De lunes a domingo, de 9 a 20 h
www.lacaixa.es/obrasocial

(© LIU JIAN HUA. REFLEXION - MIRROR ILLUSION, 2002-2003. Porcelana. 50 x 1200 cm)